La exposición de Francis Bacon en el Museo del Prado es una buena oportunidad de apreciar una completa selección de obras del artista irlandés, así como de entender un poco mejor la esencia que quería plasmar en sus cuadros. El orden mayoritariamente cronológico nos permite comprender la evolución que sigue desde sus inicios hasta el culmen de su carrera pictórica y ver la cantidad de patrones que se repiten en toda su obra: los espacios acotados que encierran a los protagonistas de sus obras, habitaciones circulares que potencian la sensación de vértigo y dificultan la orientación, el uso del color natural de la tela como un elemento más del cuadro, la recreación de escenas clásicas desde su propio punto de vista… además de su característica forma de “animalizar” y desnaturalizar las personas, despojándolas de todo carácter propiamente humano. Es destacable también su fijación por la boca humana, no por los labios o la sonrisa sino por los dientes y el grito que plasma una y otra vez.

Es curioso comprobar que parece haber un gran salto que divide en dos la producción artística de Bacon dejando por un lado sus primeras obras, de líneas más difusas y rasgos poco definidos, y por otro el resto, en las que vemos la maestría con la que llega a dominar la técnica de la pintura al óleo, llegando a plasmar corrientes de agua tan realistas que esperamos verla caer. Casi podría decirse que la primera etapa podría ser un inmenso boceto del resto de su carrera, en la que tiende a obras de mayor formato y perfección.

Como colofón a la visita, es especialmente útil y reveladora la entrevista que se proyecta continuamente en la última sala de la exposición. En ella, el propio Bacon relata su historia, confirma su forma de ver a las personas y su interés por captar lo que realmente son y no lo que simplemente aparentan, su obsesión por lograr que su arte impactase directamente en los sentidos sin necesidad u obligación alguna de racionalizarlo para poder apreciarlo.